MUSICA VINTAGE

¿Qué nos depara el futuro con la serie Fender Vintera II?

¡Descubre el futuro del vintage con la serie Fender Vintera II! ¡Un viaje retro-futurista a través de las décadas!

«La música puede cambiar el mundo porque puede cambiar a las personas.» – Bono

¿Qué nos trae la revolucionaria serie Fender Vintera II?

La Fender Vintera II series se presenta como una ventana al futuro, un futuro que rinde homenaje a las épocas doradas de la música: los años 50, 60 y 70. Este lanzamiento nos invita a un viaje sensacional por el tiempo, donde lo retro se encuentra con lo futurista, dando vida a una serie de instrumentos que prometen marcar un antes y un después en la historia de la música.

Un recorrido por la historia de Fender

Desde 1946, Fender ha sido sinónimo de revolución en el mundo de la música. Su trayectoria se ha caracterizado por una constante innovación, marcando pautas y definiendo estilos que han trascendido generaciones. La Fender Musical Instruments Corporation (FMIC) ha sabido mantenerse en la vanguardia, ofreciendo no solo instrumentos de la más alta calidad, sino también experiencias digitales que conectan con los músicos de todas las edades.

La serie Vintera II: Un puente entre lo vintage y lo futurista

«El futuro ya está aquí, solo que no está distribuido uniformemente.» – William Gibson

La serie Fender Vintera II se erige como un puente entre épocas, uniendo lo mejor del pasado y del futuro en una colección de instrumentos que prometen ser clásicos de la era moderna. Esta serie nos ofrece guitarras que son fieles a los estilos de las décadas de los 50, 60 y 70, pero con un toque futurista que las hace únicas.

Cada instrumento de esta serie es una obra de arte que habla de la historia y la tradición de Fender, pero también de su visión de futuro. Es una invitación a explorar nuevos horizontes musicales, a atreverse a soñar y a crear música que sea verdaderamente atemporal.

¿Qué hace especial a la serie Vintera II?

La serie Vintera II no es solo una colección de instrumentos, es una experiencia que nos invita a redescubrir la magia de la música. Cada guitarra de esta serie es una joya que combina lo mejor de la tradición Fender con innovaciones que la hacen perfectamente adaptada a los músicos del futuro.

«La música es el verdadero lenguaje universal.» – Carl Maria von Weber

Esta serie nos ofrece una gama de guitarras que son verdaderos homenajes a las épocas doradas de la música, pero con un toque moderno que las hace perfectas para los músicos de hoy. Es una invitación a explorar el futuro de la música, a través de instrumentos que son verdaderamente atemporales.

La serie Fender Vintera II es más que una colección de guitarras, es una experiencia que nos invita a explorar el futuro de la música a través de instrumentos que son verdaderamente atemporales. Es una invitación a soñar, a crear y a descubrir nuevos horizontes musicales. Es, en definitiva, una ventana al futuro, un futuro que promete ser emocionante y lleno de posibilidades infinitas.

LAS HEMOS VISTO AQUÍ

Un repaso a la mejor música vintage sensual de la historia. Musica sensual, sexy y vintage, en la mejor compañía

Una cosa muy sencilla para darle un giro diferente a nuestras citas de cama es montar un escenario emocionante y subir la temperatura antes de quitarnos la ropa. Si no tenemos compañía, siempre podemos buscar la mejor en escorts de lujo Madrid, preparar unas velas para crear una luz tenue, un ambientador con aroma y la música más apetecible. Todo para despertar al animal sexual que llevas dentro. Si tus preferencias  son un poco más abiertas también puede buscar compañía en transexuales de lujo madrid.

Mientras suenan los acordes podemos dar y recibir un masaje, probar un sensual striptease o sumergirnos en un torbellino de besos y dejarnos llevar por el ritmo de la canción. Afortunadamente, siempre tendremos música para calentarnos el corazón y el cuerpo en momentos de sensualidad. Así como hay innumerables películas que celebran el arte de la seducción, también tenemos esas canciones que le dan al sexo y a la sensualidad la atención que se merecen. Así es que vayamos con algunas de ellas…

You sexy thing – Hot Chocolate

Un icónico grupo de los años 70 logró mantener sus Super Hits en el top 10 durante 30 años. Cualquiera de esos éxitos musicales nos sirven para acompañar musivalmente a una velada sensual una vez hayamos buscado la mejor compañía en algúna web especializada como luxury shemale Madrid. Hasta el día de hoy, estas melodías siguen siendo familiares incluso para las nuevas generaciones.

Al Green: ‘Sigamos juntos’ Cinco minutos.

Algo llevó a Al Green a escribir ‘Permanezcamos juntos’. Si no fuera porque la siguiente grabación fue un infierno, habrían sido los cinco minutos más rentables de la historia: la canción tuvo que ser grabada hasta 100 veces, como discrepaban el productor Willie Mitchell y el cantante. ¡Da igual! A nuestra compañera acompañante, de high class escort madrid esto le suena a todo un éxito. Lo mismo que dijo Green cuando finalmente se grabó. Lo fue, y mucho.

El componente sexy aquí no es la letra de un amor entregado, sino la forma sensual, suave, a veces susurrante, de falsete húmedo al cantar. Los casos no se pierden en el amante de la música que interpretó un pasaje de la canción en un concierto en el Apollo en Harlem en 2012. ¡Ya sabéis a quien me refiero!

Marvin Gaye: ‘Empecemos’

«El sexo es sexo y el amor es amor», escribió el genio del soul Marvin Gaye en la carpeta de su álbum más candente. Y nada mejor para demostrarlo que el inolvidable tema principal. La pasión goteó en el micrófono para Gaye, el receptor de estas líneas mirándola al otro lado de la ventana del estudio: Janice Hunter, la hija del coproductor del álbum.

La seducción funcionó, aunque no de la manera más tradicional. Marvin tuvo dos hijos con Janice, pero permaneció casado con su esposa, Anna Gordy, hasta 1977. Y Janice usó su tiempo libre para coquetear con otros cantantes de soul, especialmente con Teddy Pendergrass.

¿Es un predecesor temprano de lo que ahora se llama poliamor? 

B millas

La banda sonora de la exitosa serie ‘Las Chicas del Cable’ allana el camino para la sensualidad liberada, con algo más que letras obscenas. Con la frase «muesca en el poste de la cama», Miles se refiere a la práctica de rastrear las relaciones sexuales de uno, haciendo muescas en el poste de la cama.

Mitad y mitad

El Grial O Versos que irradian lujuria y sexualidad en su forma más pura. Una carta sin complejos ni tabúes, deseo y fantasía en cada palabra. Diana Kral se quita todo tipo de corsés y apuesta por una exagerada y sexy portada de disco. Otra delicatessen de trece temas que componen el disco ‘Glad Rag Doll’ de su padre, para muchos de sus seguidores.

El disco va desde el swing de aquellos años hasta el campesinado o la sensualidad de los cabarets. Y lo cierto es que oír cantar a esta Venus rubia en disco o en directo es uno de los regalos más delicados que uno se puede hacer a sí mismo.

Gracias por verlo

¡Imagina! Una nota importante sobre un álbum es que no solo reproduce exactamente el pasado, sino que trae estas canciones a la modernidad con arreglos deslumbrantes, especialmente de guitarra. Las modelos Helena Christensen y Chris Isaak se estaban divirtiendo en la playa en el video musical, que es bastante erótico en sí mismo, pero cada vez que lo escuchas, no puedes evitar pensar en Rachel y Ross tocando en Friends. La primera cita es bajo las estrellas del museo. ¿Sabes de que tema hablo?

Gimme More, Britney Spears

La rubia que conquistó a su generación con falda de colegiala bailando en un bar de pole dance quiere más y más en una canción con un ritmo que podemos apuntar a un baile muy, muy sensual. 

George Michael – Quiero tu sexo

Esta canción del álbum debut en solitario de George Michael, el enormemente popular Faith, alcanzó rápidamente el top 5 en todo el mundo y celebró el sexo al más alto nivel, preguntándonos: «¿Cuál es la definición de escoria, bebé?». Además de aparecer en la banda sonora de Hollywood detective II, la canción obtuvo el dudoso honor de ganar el premio Golden Raspberry a la «peor canción original».

Sin embargo, la peor crítica provino del mismo Michael, quien la ignoró después de que se emitió y nunca volvió a actuar después de que terminó la gira mundial de Faith.

El guitarrista Ricky Gardiner, quien compuso notas afiladas en el icónico Low de David Bowie y el ruidoso Lust for Life de Iggy Pop, murió a los 73 años.

Tony Visconti, coproductor de Low, informó la noticia en Facebook y dijo que la esposa de Gardiner, Virginia, le había notificado la muerte del guitarrista.

Gardiner estaba luchando contra el Parkinson en el momento de su muerte.

«Querido Ricky, lindo chico encantador, sin camisa con su overol, el mejor guitarrista de todos los tiempos», escribió Iggy Pop en Twitter.

Los solos extraterrestres de Gardiner definen el primer lado de Low, agregando flexibilidad a «What in the World», sutileza a «Sound and Vision» y drama heroico a «Be My Wife».

En Pop’s Lust for Life, coproducida por Bowie, Gardiner escribió la inquietante y estruendosa banda sonora que acompaña a «The Passenger» y, con Bowie, escribió la música sórdida de la absolutamente descarada «Success» y la inquietante «Neighborhood Threat».

Gardiner también actuó en el álbum de 1977 de Bowie y Pop, The Idiot, durante la gira.

Las grabaciones de la actuación de Gardiner en esta gira se pueden escuchar en el álbum en vivo TV Eye de Pop y en el box set de Pop 2020 The Bowie Years.

Nacido en Edimburgo, Escocia, en 1948, Gardiner afirmó en su sitio web que tenía la capacidad de cantar un aria italiana a la edad de 2 años.

Además de su trabajo con Bowie y Pop, Gardiner grabó varios álbumes con el rockero progresivo Beggar’s Opera y el álbum en solitario de Visconti Inventory, grabando para el sello Vertigo a principios de la década de 1970.

En 1976, lanzó un sencillo llamado «Times Are Tight», otra canción de rock suave similar a «The Passenger», excepto que Gardiner cantó sobre su tensa billetera respaldada por «Love Nest».

La paternidad disuadió a Gardiner de viajar y montó su propio estudio de grabación, donde compuso música para la meditación.

Lanzó el álbum de banda sonora de guitarra y computadora The Flood en 1985 y una «sinfonía de computadora» llamada Precious Life en 1987.

Continuó haciendo música en la década de 1990,

Y continuó haciendo música con su esposa, Virginia Scott.

+ en: Ricky Gardiner, David Bowie and Iggy Pop’s Berlin-Era Guitarist, Dead at 73

Esta música tiene que ver con la negación que siente alguien que contiende con una patología de la mente o con otros inconvenientes relevantes que son evidentes.

«Estás leyendo mi mente, no me miras a los ojos. Mencionas que hago cosas de las que no me doy cuenta».

Otra melodía del álbum, Eye in the Sky, además habla de leer la mente.

Pienso que esta es la perspectiva alternativa de la novia (digamos) que está confundida, su novio (que la rechazó) y quizás su psicólogo la examina y le dice exactamente qué le pasa. Todos los otros tienen la posibilidad de ver por medio de ella, empero una vez que alguien en realidad aspira a ayudarla explicándole lo que está mal, todo lo que escucha es «rap psicobalbuceo» que no se conecta con su propia imagen.

Letras
Tell you ‘bout a dream that I have every night,
Tell you ‘bout a dream that I have every night,
It ain’t Kodachrome and it isn’t black and white.
Take me for a fool if you feel that it’s right
Well, I’m never on my own but there’s nobody in sight.
I don’t know why I’m scared of the lightning
Trying to reach me.
I can’t turn to left or the right.
I’m too scared to run and I’m too weak to fight
But I don’t care it’s all Psychobabble rap to me…
Psychobabble
Tell you ‘bout a dream that I have every night,
It’s in Dolby Stereo but I never hear it right
Take me for a fool, well that’s right
Well I see the way to go,
But there isn’t any light.
I dont know why im scared of the lightning
Trying to reach me.
Help me to find what I dont wanna know
Taking me there but I dont wanna go
I don’t care it’s all psychobabble rap to me…
Psychobabble OH Psychobabble
Psychobabble OH Psychobabble
I don’t care it’s all psychobabble rap to me…
Youre reading my mind,
You won’t look in my eyes
You say I do things that I dont realize
I don’t care it’s all psychobabble rap to me…
Psychobabble OH Psychobabble
Psychobabble OH Psychobabble
Your lighting a scene thats fading to black
I threw it away ‘cause I don’t want it back
But I don’t care it’s all psychobabble rap………

musica vintage de los 80: Black – Everything Is Coming Up Roses.

musica vintage de los 80: BANANARAMA VENUS.

El grupo británico Bananarama estaba formado por tres chicas y tuvo alguna repercusión a partir del año 1982, en que se fundó.

Consiguió diez Top 10 en las listas del Reino Unido de singles y otros tres en las listas de Estados Unidos. Fueron éxitos del grupo Cruel Summer, Love in the First Degree, Venus (en el vídeo) y «I Heard a Rumour».

Las tres chicas de Bananarama comenzaron cantando en fiestas y en pequeños nightclubs, con la música grabada. Un día el ex-batería de los Sex Pistols, Paul Cook se fijó en ellas y  produjo su primer sencillo, una versión del Aie a Mwana, en swahili, de los Black Blood. Acompañaron a los Fun Boy Three en «It Ain’t What You Do, It’s The Way You Do It» que llegó al nº4 en el Reino Unido.

EL VÍDEO, VENUS, BANANARAMA

Este último grupo y en agradecimiento grabó con Bananarama en 1982 «Really Sayin’ Something», una versión de un tema de The Velvelettes, con el que las chicas consiguieron el  nº5 en las listas de éxitos del Reino Unido. Los singles «Shy Boy», «Na Na Na Hey Hey» y «Cruel Summer» también se convirtieron en uno de esos éxitos de la carrera de este grupo de los ochenta, de esa música online que aún puedes encontrar fácilmente en la Red.

musica vintage de los 80 – VÍDEOS

«Evil Woman» ocupó el puesto número 2 en Francia y el número 10 en el Reino Unido y EE. UU., y se convirtió en el último evento de estreno mundial de Electric Light Orchestra. En una compilación de 2012, Lynne la volvió a grabar con su hija Laura como coros y dijo que mezcló una pista de otra pista de 1975, «Nightrider», para recrear otra canción de la «chica malvada».

Esta es una de las más técnicas comunes en las canciones de este talentoso compositor británico, es «popular» basarse en otras obras para crear nuevas canciones.

Letras
I remember somewhere in the rain,
The faces of the passers-by, staring faces, broken blinds,
I recall the situation clearly standing in a crowded car,
I can feel the need in me.
Hold on, nightrider baby, hold on you’re a nightrider
Riding the night, searching for what is gone,
Never reaching the end, so you must travel on.
I still see that vision of delight,
While cruising on the black of night,
But she keeps a step ahead
Looking out the corner of her world, nobody ever knows a girl,
Who once lived along this way.
Hold on, nightrider baby, hold on you’re a nightrider
Riding the night, searching for what is gone,
Never reaching the end, so you must travel on.
Desolation degradation row,
Go on don’t let the feeling show,
She’s a ten a penny dream,
Faces with no name no address, keep staring in on my distress
But she kills me with her smile.
Hold on, nightrider baby, hold on you’re a nightrider
Riding the night, searching for what is gone,
Never reaching the end, so you must travel on.

En las diarias sesiones en el Club A-Go-Go, en ocasiones dobles, los temas originales se estiraban en improvisaciones en las que un Burdon liberado ideaba letras mezclando la inspiración del instante con fragmentos de otras canciones pop.

mayo 2020

Era llevado en volandas por un conjunto que apenas formado iba ya como un tiro y un público que se subía por las paredes. Un tal Mike Jeffery, o bien Jeffries, conforme quien lo nombre, se ocupaba de procurarles bolos, y les ofreció grabar 4 canciones que entonces publicó en un EP de doce» de ¡una sola cara!.

Todos y cada uno de los implicados semejan coincidir en que Most apenas sabía distinguir botones y faders en una investigación de grabación, mas absolutamente nadie va a poder negarle una habilidad singular para seleccionar las canciones que The Animals debían emplear como cara A de sus singles.

Pese a las continuas protestas de un Eric Burdon que demandaba la pureza de sus pretensiones en cuanta entrevista se le pusiese a tiro, genuino profesor en antipropaganda de sus discos, fueron las canciones elegidas por Most las que los llevarían al éxito.

Estaba demasiado ocupado cantando aquellas canciones, lo gozaba enormemente.

Hacían algo más que tocar esas canciones. Y no le falta razón, por el hecho de que las dos canciones, como «It’s My Life», pierden a cargo de The Animals el sabor cosmopolita de su origen en las factorías de éxitos neoyorkinas para transformarse en otra cosa, un híbrido entre el pop de categoría y el r’n’b más intenso que rezuma desarraigo, sofocación juvenil y orgullo proletario, un preparado que miles y miles de adolescentes inadaptados percibieron como algo propio, entre ellos un tal Bruce Springsteen .

Ahí estaba ya Tony Braunagel en la producción, un experimentado batería de blues texano que entendió que lo que Eric precisaba era un sonido natural y canciones a la altura de una voz todavía en forma: «Cuando escucho mi voz en las grabaciones del ´64 o bien ´65, me suena a la voz de un pequeño, me resulta extraña, y en verdad, una de las cosas que me ha ayudado a proseguir adelante es que ahora me conozco mejor, que mi voz se ha desarrollado y suena más a mí».

Ahora en ´Til River Runs Dry, la jugada se repite en espíritu mas con canciones nuevas, exceptuando el definitivo «Before You Accuse Me» de su venerado Bo Diddley, asimismo presente en «Bo Diddley Special»: «Es increíble que jamás llegara a conocerlo.»

Black Label Society es una banda de Metal y Rock norteamericana, de Los Ángeles, California. La formó el guitarrista Zakk Wylde en 1998. Han publicado 12 álbumes de estudio, dos discos en vivo, dos compilados, y tres DVDs.

La brillante sonrisa pintada en el rostro de Zakk Wylde armado con su bimástil Wylde Audio Barbarian ha estado con nosotros en las últimas semanas con el lanzamiento ‘Doom Crew Inc.’.

El nuevo disco de la Black Label Society rinde homenaje a los grandes genios del grupo de seis cuerdas.

El 14 de enero de 2022 Zakk Wylde cumplía 55 años, y en este vídeo, muy vintage, vemos al guitarrista barbudo dejando huella como ya lo ha hecho con el grupo en escenarios y grabaciones incluyendo su trabajo con Ozzy Osbourne o su Líder de la Asociación Black Label.

http://blacklabelsociety.net/

«Black Is the Color» es una balada popular conocida en los Estados Unidos por su asociación con la música colonial y más tarde en las Montañas Apalaches.

El negro es el color de cabello de mi verdadero amor, por Nina Simone

Nina Simone es una de las mejores intérpretes musicales. Escribió más de 40 canciones, incluidas algunas de sus mejores canciones como Mississippi Goddam y Four Women. Sin embargo, a lo largo de su carrera, ha hecho suyas las canciones de otras personas, hasta el punto en que ahora están tan fuertemente asociadas con ella que muchas personas no se dan cuenta de que las canciones ya existían antes de que ella las usara.

Pon un hechizo en ti, no fumes en la cama, salvaje es el viento, por nombrar algunos. Black Is the Colour of My True Love’s Hair es una de estas canciones, no es tarea fácil ya que es una vieja canción popular y hay literalmente cientos de versiones grabadas de ella, incluidas las actuaciones de grandes artistas como Joan Baez, Sinéad O’ Connor y Christy Moore.

La canción se originó en Escocia en el siglo XIX y fue popularizada en los Estados Unidos por inmigrantes que se establecieron en las Montañas Apalaches alrededor de Carolina del Norte. Fue grabada por primera vez por Cecil Sharp, quien, después de infiltrarse en las canciones folclóricas británicas tradicionales, fue a Estados Unidos durante la Primera Guerra Mundial y recopiló las canciones que se habían transmitido de boca en boca.

Escrita originalmente desde el punto de vista de un hombre que describe los rasgos de su amante, Black Is the Color of My True Love’s Hair se publicó por primera vez en el libro English Folk Songs from the Southern Appalachians de Sharp.

Más tarde, la canción fue convertida en una melodía alternativa por el cantante de folk estadounidense John Jacob Niles, una de las figuras que inspiró el renacimiento del folk estadounidense de las décadas de 1950 y 1960.

Esa melodía es la que conocemos hoy, y su belleza hizo famosa la balada en América.

Nina Simone grabó la canción por primera vez en 1955, muy temprano en su carrera profesional. La grabación tuvo lugar en Filadelfia con un arreglo de cuerdas y no estaba programada para su lanzamiento en ese momento. En 1970, esa versión apareció en el álbum Gifted & Black.

Letra

Black is the color of my true love’s hair
His face so soft and wondrous fair
The purest eyes
And the strongest hands
I love the ground on where he stands
I love the ground on where he stands
Black is the color of my true love’s hair
Of my true love’s hair
Of my true love’s hair
Oh I love my lover
And where he goes
Yes, I love the ground on where he goes
And still I hope
That the time will come
When he and I will be as one
When he and I will be as one
So black is the color of my true love’s hair
Black is the color of my true love’s hair
Black is the color of my true love’s hair

Billie Eilish es una gran estrella invitada en la banda sonora de la película de James Bond «No Time To Die».

Ella se ponía muy retro en la película protagonizada por Daniel Craig, que también contaba con actores como Rami Malek, Ralph Fiennes y Ana de Armas. El año 2020 comenzó para Billie Eilish con 5 premios Grammy en la 62a Entrega Anual de los Premios, lo que tuvo lugar en enero, donde ganó Mejor Artista Nuevo, Álbum del Año, Disco del Año, Canción del Año y Mejor Álbum Vocal Pop.

En febrero, Billie subió al escenario con su hermano Finneas para presentar una increíble versión de The Youtube en los 92o Premios de la Academia. Más tarde ese mes, lanzó su aclamada canción oficial de James Bond, «No Time To Die».

En julio pasado, lanzó su última canción, «My Future», que compuso y grabó en Los Ángeles durante el aislamiento y que fue producida por su hermano.

Tever lleva la gaita asturiana más allá de la innovación tecnológica. instrumentos vintage: La gaita asturiana de Tever

El confinamiento y la experimentación con las nuevas tecnologías fueron el punto de inflexión para Tever, quien aprovechó toda la inspiración para crear su primer trabajo musical, Fechu’n PLA.

Como proyecto musical, la gaita asturiana y la música celta o folk suele moverse en unas líneas muy definidas. “Con el uso de los distintos canales digitales, experimentando con impresoras 3d o incluso con herramientas como Arduino, trato de romper esas líneas y ofrecer al público una visión mucho más original” explica.

Seis son los temas que componen el trabajo y que irán publicándose mes a mes.

Quizá, el cuarto tema, Fervienza, es el más personal. En él habla de pérdidas familiares, de crecimiento y dolor cuando la realidad golpea y da paso a esa madurez que lleva a superar el dolor. “Es la sensación agridulce al perder a un familiar, pero, a la vez, estrenarme como padre tras ese dolor” comenta. En el tema ha querido incluir tres movimientos diferenciados para hablar de todos los sentimientos, con un piano o la flauta irlandesa acompañando a la gaita para darle la rotundidad sonora que merece.

Aunque quizá, uno de los más aclamados por el público, es Gaita Hero, donde se puede llegar a ser un superhéroe solo portando el instrumento tradicional. Como si de un videojuego se tratase, mezcla la tradición con la innovación y, sobre todo, un entretenimiento en el videoclip muy millenial con una experiencia inmersiva donde se puede jugar al videojuego del video en la web gaitahero.com.

El resto de temas tienen un proyecto detrás individual. Fayendo habla de cómo crear, mientras Saltonggaeton fusiona el baile tradicional con el reggaetón. Dos quedarían por publicarse donde tratará de explorar otros recursos hasta ahora no utilizados.

Detrás de Tever se encuentran sus 20 años con la gaita y los últimos años de docencia del como maestro gaitero compaginados con los estudios de música reglada para poder subir de peldaño tanto a nivel técnico como de conocimientos para así, ser capaz de abordar cualquier proyecto musical.

componentes de objetivo birmania

Paco Musulén, Luis Elices, Carlos de France y Javier Escauriaza eligen el título de una vieja película bélica que se ha repetido cientos de veces en televisión: «Objetivo Birmania». Quieren hacer una banda de música funk dance con referencia a Prince, B-52s o Kid Creole & Coconuts en sus horizontes.

Pero como esto requiere hacer un grupo mixto, agregarán a Mari Paz Álvarez como cantante.

Hicieron su debut en una fiesta de fanzine en Rock Ola a finales de 1982. El destacado productor Luis Gómez Escolar está allí y firma para su inclusión en Rara Avis, un pequeño sello de Las Chinas dirigido por Miluca Sanz, y el propio productor. Graban una demostración en su estudio Duplimatic y lanzan su primer sencillo «Shiwips / Photo Exhibition».

Para alardear aún más de sus presentaciones en Rock Ola el 13 de marzo de 1983, contratan a dos bailarinas y coro: Ana Fernández y Mónica Gabriel y Galán. Aunque su interpretación musical fue muy inocente, su interpretación visual y su imagen fueron impresionantes.

El periodista con el que se firmó este y su buen amigo Tomás Cuesta bautiza a estos dos go-gos agitadas como Las Birmettes, en alusión a las habituales Las Ikettes que muestran Ike y Tina Turner.

Objetivo Birmania, aquel grupo mixto de los ochenta que coincidía en los bares de Madrid con el hoy rey Felipe VI.

NO TE AGUANTO MÁS

Uno de los éxitos de aquel grupo de los ochenta llamado Objetivo Birmania: «No te aguanto más». Las chicas de este grupo eran capaces hasta de salir al escenario en pijama, dicen en la Wiki. Objetivo Birmania, para quien no las conoció o no se acuerde o no había nacido fue un grupo musical español que coexistió con los últimos coletazos de los principales grupos de la «movida madrileña».

De 1982 a 1986 fue su etapa más importante, con una formación de cuatro instrumentistas y tres chicas cantantes, una de ellas solista y las otras dos las llamadas «Birmettes», que eran las coristas. Era, sin duda alguna, una formación muy original y peculiar para la época.

POR LOS BARES DE MADRID, QUE TAMBIÉN FRECUENTABA FELIPE VI CUANDO ERA PRÍNCIPE

Estuvieron en activo hasta el año 1991 pero sus principales éxitos fueron a principios de su carrera musical. Sus discos son dos: Tormenta a las diez y Todos los hombres son iguales. Sus canciones más populares «Desidia», «Tormenta a las diez» y la del vídeo «No te aguanto más».

Objetivo Birmania y músicos de otros grupos de aquella movida coincidían incluso con el que ahora ha sido designado Rey de España, Felipe VI, en locales madrileños como Tal y Cual, Oh!, Nicanora y Pachá. En la actualidad, Sol Abad, una de las componentes de Objetivo Birmania, se dedica a recrear en España lo aprendido hace un tiempo en el Himalaya conviviendo con los swamis. Junto a Lenovo ha presentado Yoga Team, o sea, que le ha dado por el yoga.

Un acompañante valioso durante décadas, Jimmy Archey ha sido un trombonista importante, aunque subestimado, durante casi 40 años. Archey comenzó a jugar con la música a los 12 años y comenzó a trabajar profesionalmente en un año.

noviembre 2020

Estudió música en el Hampton Institute, tocó en Atlantic City durante un tiempo y luego se mudó a Nueva York en 1923. Trabajó como independiente en bandas pequeñas durante seis años. Archey se unió a King Oliver en 1929, grabando la primera vez con Oliver en 1930.

Participó en muchas de las orquestas de Luis Russell durante la mayor parte de 1931-37 incluido el período 1935-37 cuando la banda de Russell actuaba esencialmente como un grupo de apoyo de Louis Armstrong.

Archey ha trabajado con la orquesta de Willie Bryant, Benny Carter, Ella Fitzgerald y Coleman Hawkins, reemplazados por Cab Calloway, y pasó 1944-45 con Claude Hopkins. Y pasó dos años en la orquesta comercial de Noble Sissle.

Apareció regularmente en la popular serie de radio de Rudi Blesh This Is Jazz en 1947. Después de una gira por Francia con Mezz Mezzrow en 1948, Archey se unió a la banda de Bob Wilber en diciembre de ese año en el Savoy Café de Boston.

Origen: Jimmy Archey – High Society (2019)

En este mundo de falsas apariencias y ritmos pre-creados, y también de supuestas revoluciones que no son más que modas, hay artistas que aún mantienen viva la llama del alma, eso sí, también se creen llamados a protagonizar una «revolución».

Pero el soul, que está lejos de desaparecer, está ganando cada vez más fuerza internacional. Uno de esos artistas vintage del soul es Steffen Morrison… ¡Eres bueno, chico, pero no nos vendas motos revolucionarias y dedicate a vender discos, que es lo tuyo!

octubre 2020

Él es uno de los últimos románticos del género. El sonido de Steffen, escondido bajo las guitarras de los Rolling Stones y descubriendo el poder de la palabra de Lou Reed, nos trae nostalgia por melodías pasadas contextualizadas en el presente.

El alma de los trenes sigue corriendo, gracias a álbumes como Movin ‘on, su álbum debut, que salió a la venta a finales de marzo de 2018; y que gracias a su gira de presentación pudimos disfrutar en España. Su nuevo disco, Soul Revolution, saldrá a la venta el 9 de octubre.

Steffen es un artista psíquico y compositor que siempre ha creído que la música soul es uno de los géneros más honestos, música que viene directamente del corazón. El alma significa ser pura, cruda y pura con sus emociones.

No hay nada que puedas ocultar a través de este género. Al final del día, lo más importante es la música. Pero nunca ha habido una fuerte tradición de cantantes de soul en los Países Bajos. Steffen también cree sinceramente que debemos iniciar una revolución musical, o al menos intentar hacerlo; porque Holanda no tiene una fuerte tradición en la música soul.

Comenta que es necesario que los artistas punteros de este género, inicien una revolución.

En 2018, nos presentó su primer álbum llamado Movin ‘on. Un disco capaz de conquistarnos gracias al amor por la música que se manifiesta en él. En este proyecto, por supuesto, encontramos los sonidos de las almas, pero también el rock y las baladas.

Una de las canciones que más gusta es la que le da nombre al disco. Una canción que nos recuerda la tradición británica del soul norteño. Aunque comenta que le sorprende que se asocie esta canción con la tradición británica del soul norteño, no se suele hacer y se hace.

El 9 de octubre de este año, se lanzó su nuevo álbum llamado Soul Revolution; un disco que esperábamos con mucha ilusión. Este álbum es mucho más personal. La idea de una revolución del alma es la liberación de tu mente y tu alma.

Planeaba lanzar este álbum en mayo, pero se pospuso debido a Covid. Escribir este álbum en medio de una pandemia fue un gran desafío. La música todavía se está convirtiendo en un arma poderosa, ya sea como vacuna emocional o como forma de luchar contra la injusticia.

Origen: Steffen Morrison, “El Soul significa ser genuino, puro y crudo con tus emociones”

Freddie Eugene Martin original, más conocido en el mundo del Blues como Little Freddie King, es uno de los personajes legendarios que no temen a nada. Lo primero que hay que decir es que huyó de su casa en McComb, Mississippi, a Nueva Orleans…

octubre 2020

lo hizo el chaval a una edad muy temprana. En esta ciudad conoció la música y su lado salvaje, conoció a la gente de la noche, como dijo el gran pianista Allen Toussaint. Disfrutaba sin miedo de la buena vida, del alcohol; Luchó, se lastimó varias veces.

«Si no estaba en la cárcel, estaba en el hospital», dijo el pequeño Freddie King a la revista Country Roads. Lo perdió todo a causa del huracán Katrina, se fue a vivir a una residencia para víctimas en Dallas, Texas, y regresó a Nueva Orleans a una casa que le dieron varias fundaciones que apoyan a los músicos necesitados.

Después de muchos altibajos, Little Freddie King ha resurgido y, a los 80 años, se ha convertido en uno de los músicos de blues más conocidos de Nueva Orleans. Su nuevo álbum «Jaw Jackin ‘Blues» es un viaje a través de toda esta vida.

¿Por qué dijo no tener miedo de nada? Porque esta producción re-baraja las narrativas de Little Freddie King con sampler, loops, scratch y otros elementos proporcionados por Tino Gross y el sonido de fondo de Kymberli Wright bajo la producción de «Waco» Wade Wright, el eterno baterista de la banda de King.

«Jaw Jackin ‘Blues» es la voz tradicional de Little Freddie King, con un country blues característico que recuerda al delta del Mississippi y la música interminable de Nueva Orleans, pero que fue llevada al siglo XXI, que recuerda a «Come On In» de RL. Burnside con su nieto Cedric en 1998.

https://littlefreddieking.com/

Este no es un álbum para austeridades, hay que decirlo y enfatizarlo. Para oídos más abiertos, trabajo más ecléctico. Sin embargo, la edad que tiene y toda el alma de un músico que no se somete a nada…

Tiene el espíritu liberador del azul, la voz de la gente de la noche, del lado salvaje de un artista que siempre quiere estar en primer plano.

Origen: Little Freddie King – Jaw Jackin’ Blues (Made Wright Records, 2020)

En mil novecientos setenta y tres, The Three Degrees se unieron a Kenny Gamble & León Huff en su sello ‘Philadelphia International Records’. El primer álbum para el sello les dio su primer número uno con ‘Dirty ol’ man ‘(en Bélgica y Holanda).

septiembre 2020

Un enorme éxito entre los diez primeros con ‘Año de decisión’ y un enorme éxito mundial (número 1 en el R. Unido) con ‘¿En qué momento te volveré a ver?’. Acá está la versión extendida. En el vídeo adjunto cantaron en vivo, con lo que el autor del vídeo debió de ajustar el tempo.

De esta forma hizo que coincidiera con la grabación de estudio extendida.

Muy conocidas por sus voces enternecedoras, preciosos vestidos y fantásticos espectáculos teatrales. Son conocidas en el mundo entero por canciones como «When will I see you again», «Dirty Ol ‘Man», «Take Good Care Of Yourself».

Han estado de Gira de forma continua a lo largo de más de cuarenta años y aún lo prosiguen haciendo.

https://thethreedegrees.com/

oír música de marc anthony, y anécdotas. El artista de origen puertorriqueño Marc Anthony sorprendió a sus seguidores con un vídeo que colgó en las redes sociales interpretando el tema A song for you, del legendario cantante estadounidense de soul Donny Hathaway.

¿Es marc anthony salsa vieja, vintage o retro?

AGOSTO dos mil veinte

Al lado del vídeo, el intérprete incluyó una reflexión sobre el significado que le da a la música, de manera especial durante la emergencia sanitaria por la pandemia del covid-diecinueve, y que por el aislamiento social, ha impulsado a decenas de artistas a realizar presentaciones en vivo en sus residencias y publicarlas en sus redes sociales.

La interpretación de la canción por el cantante boricua dura un tanto más de cinco minutos. Aunque la interpretación conmovió a sus seguidores, aún estos esperan a que Marc Anthony ofrezca alguna presentación perdurable.

Todos en alguna ocasión hemos amenizado una celebración con la famosa canción «Aguanile» interpretada originalmente por Héctor Lavoe y Willie Colón o la versión moderna con Marc Anthony. La canción es parte miembro de las canciones del álbum «El Juicio» lanzado en el año de 1972; sin embargo, fue en 2 mil 7 cuando el Marc Anthony incluyó el triunfante tema en su disco «El Cantante».

Sin embargo, pocas personas se han percatado que la famosa cumbia tiene un «oscuro» mensaje relacionado con la santería y el cristianismo.

Origen: Escuchar Musica De Marc Anthony, Y Anécdotas – LO + MUSICA

TODA SU DISCOGRAFÍA:  Discografía de The Carpenters

SU WEB OFICIAL: The Carpenters

Son días extraños, ciertamente. Ya lo eran ya antes de la pandemia, cuando se puso título al nuevo disco de Melenas, y más ahora, cuando el conjunto navarro retorna tras aquel debut homónimo que les puso en la lista de mejores discos de dos mil diecisiete de nuestros colegas de Hipersónica.

mayo 2020

Lo mejor de ‘Días Raros’, alén del estupendo nivel que el conjunto sostiene, es que nos hace soñar con considerablemente más cosas. Días extraños nos da todo cuanto buscamos.

Origen: Melenas – Días Raros – Críticas – Hipersónica

Ves el vídeo musical oficial de Ramones: ‘She’s The One’ del álbum de mil novecientos setenta y ocho ‘Road To Ruin’. Termina de cumplir cuarenta años, y Rhino festeja el jalón con una edición de mucho lujo del cuarenta aniversario.

Ya está libre!

Tu copia en: https://lnk.to/RoadToRuin40 ROAD TO RUIN: 40º ANIVERSARIO

Se trata de la EDICIÓN DELUXE, un 3CD / 1LP que incluye una versión remasterizada del original y una nueva mezcla del cuarenta aniversario del co-productor Ed Stasium, así como un espectáculo en vivo nuevo grabado en la ciudad de Nueva York en mil novecientos setenta y nueve, y un tesoro de mezclas nuevas, versiones alternativas y canciones extrañas.

En la ciudad de Toronto, Madonna simuló la masturbación en una cama de terciopelo. Lo curioso es que fue bajo la atenta mirada de la policía canadiense. La misma que la conminó con detenerla si su espectáculo seguía.

mayo 2020

En Italia, los sindicatos convocaron a una huelga general si Madonna actuaba, y el Papa Juan Pablo II declaró su concierto «uno de los espectáculos más satánicos en la historia de la humanidad». La Gira Blond Ambition , que cumplió treinta años el mes pasado, prosigue siendo una de las giras más discutidas.

En esta era de relativa salud llegó a Blond Ambition Madonna , en una misión para conjuntar moda, rock, teatralidad de Broadway y performance, para ser provocativa y romper tabúes inútiles. La trituración de la Sagrada Escritura en el escenario de Marilyn Manson está sacada de manera directa de la guía «Madonna 90».

Con sus sostenes de fuegos de artificio, sangre escénica y rebosante joroba seca, Lady Gaga semeja que fue concebida en un concierto de Blond Ambition. Mas el tabú clave que rompió Madonna ese verano fue el de la sexualidad femenina como fuerza en vez de excitación, como algo propiedad del artista que los svengalis no cobraron.

Es una de las razones por las que las artistas femeninas se sienten cómodas cantando sobre sexo y deseo hoy en día. No obstante, el sexo vende, y más sexo vende más.

Lo que fue el punto de Madonna todo el tiempo.

Origen: ‘A Freudian nightmare’: Madonna’s Blond Ambition tour turns 30